LES CARAVAGE DE DENIS MAHON (3)

Suite de DE GUERCHIN A CARAVAGE : SIR DENIS MAHON AU PALAZZO BARBERINI (1)

LES GUERCHIN DE DENIS MAHON (2)

Réalisé au début de la période romaine de Caravage, cette toile de chevalet est celle d'un artiste encore peu connu qui doit "vendre", et donc, plaire. Mais on sent bien dans cette toile combien l'artiste est déjà sûr de lui et a un vrai caractère, car il ne sacrifie pas aux canons du marché. Traditionnellement en effet, on représente Bacchus soit ivre et âgé, soit jeune et en train de séduire Ariane.


Ici le dieu est seul, comme un portrait (on s'accorde d'ailleurs en général à dire qu'il s'agit d''un autoportrait(1)), pas dans une scène de genre d'un style buccolique, comme c'est souvent le cas. Accoudé sur une tablette en pierre où repose une nature morte composée de pêches et de raisins noirs, il tient à la main une grappe de raisins blancs qu'il semble vouloir porter à la bouche. Le buste à-demi tourné donne l'impression qu'il a été interrompu dans sa dégustation des raisins pour faire face au spectateur. Le visage est représenté de trois-quarts et porte une couronne de lierre, ainsi qu'un costume drapé blanc à l'antique, qui laisse une épaule dénudée, selon un schéma d'atelier que les historiens d'art ont clairement identifié (2). 

Le Bacchus malade fait partie de l'ensemble de premières œuvres produites vers 1593-1594, représentant de jeunes garçons bruns, frisés, associés à des éléments de nature morte (fruits, feuilles), dans un traitement profane ou mythologique. Certains éléments vont traverser une grande partie de l’œuvre ultérieure de Caravage, en particulier le traitement de l'ombre et celui de la lumière, qui provient de la gauche, laissant des fonds sombres, indistincts, voire complètement noirs.


Quant au titre de l'oeuvre, il est certainement "romantique", tout à fait dans la tradition qui fait du peintre un artiste maudit, un paria, un renégat en marge de la société. Pour autant, il faut bien avouer que, mauvais traitement de la peinture ou pas, le personnage, donc Caravage lui-même, n'a pas trop bonne mine ! Quoique doté d'une musculature athlétique, son teint cireux, sa chair gonflée, ses yeux cernés, cette bouche presque violette donnent une incontestable impression de mauvaise santé. 

L'élément le plus notable de la toile est la double nature morte représentée sur la table : celle des fruits et des fleurs arrangées dans un superbe vase translucide, qui reflète la lumière, et, à côté une nature-morte "musicale".

Le violon et son archet, posés de biais sur la table de marbre, font comme un contrepoint musical au luth dont joue le musicien, d'un air nonchalant et languide.

Fillide Melandroni, la plus célèbre des courtisanes à avoir posé pour Caravage, sert de modèle pour Judith ; cette jeune femme, âgée d'environ 20 ans en 1600, est également la Catherine de Sainte Catherine d'Alexandrie (1598) et la Marie Madeleine de Marthe et Marie-Madeleine (1598-1599). (5)
Le visage cruel de la vieille servante est sans doute inspiré par les études ou caricatures de Léonard de Vinci, conservées à la pinacothèque ambrosienne de Milan.

La scène (6) représente la veuve Judith qui, après avoir séduit le général assyrien Holopherne, l'assassine dans son sommeil pour sauver son peuple du tyran pendant le siège de Béthulie. Une servante l'accompagne portant un sac pour emmener la tête quand elle sera coupée. 

La radiographie montre qu'à l'origine, Judith était représentée les seins nus ; Caravage décida finalement de les recouvrir d'un voile et la sensualité de cette poitrine tendue dans l'effort n'en est que plus torride ! 

Caravage a figé l'instant : celui du cri de l'homme décapité dont Judith n'a pas encore fini de couper la tête, qui commence à se détacher du corps.

Le sang gicle sur l'oreiller et le drap, le bras musclé se replie dans un acte ultime de douleur et d'inutile défense. Par sa mise en scène intemporelle, proche d'un instantané, ce tableau illustre le refus de Caravage de respecter les conventions iconographiques en cours pour ce type de scène. C'est Judith décapitant Holopherne, mais c'est aussi la Vertu triomphant du mal, ou mieux encore, la Contre-Réforme catholique en cours combattant sans pitié l'hérésie. 

La composition est puissante et les lignes de forces suivent les regards : deux axes principaux, regard de Judith-main ouverte du supplicié d'un côté, épaule d'Holopherne-main de Judith en train de trancher-mains de la servante qui attend la tête de l'autre. C'est l'action principale.

Deux autres axes secondaires s'ajoutent au récit (axes rouges) : celui qui joint le regard de la servante à la main de Judith tirant les cheveux du général assyrien d'une part, et les deux mains de l'homme assailli par la vindicte de ces deux femmes déterminées et farouches, d'autre part. Le peintre joue, pour créer le drame, sur un puissant jeu chromatique entre ombre et lumière, grâce à un violent éclairage latéral traversant la scène depuis la gauche (comme toujours !). Les teintes chaudes dominent : le rouge du rideau qui clos la scène répondant au vermillon du sang qui gicle, l'or du manteau de Judith faisant écho au brun brillant du tissu que tient la servante. 

Le traducteur de la Vulgate, drapé dans un grand manteau rouge qui évoque son rang de cardinal, est représenté en train d'écrire, tout en lisant le texte sur lequel il travaille. Son bras droit, démesurément long, tient un stylet qui avance tout seule !! La figure du vieillard à front ridé et barbe cotonneuse fait penser à celles de l'Abraham du Sacrifice d'Isaac ou du  Saint Matthieu et l'Ange de Saint Louis des Français. 

La scène se passe en extérieur. Saint François, agenouillé, a le menton appuyé sur ses mains entrelacées. De profondes rides creusent son front et il médite.


Il est en train de lire un livre dont les pages sont maintenues ouvertes par un crucifix. Un crâne en memento mori ou en « nature morte de dévotion », supporte la couverture et quelques pages de droite. 

La bure, aux teintes brunes assez lumineuses, est sculptée par la lumière, et le détail naturaliste du bord effrangé de l'humble vêtement, est typiquement caravagesque. Comme l'éclairage puissant de la scène, tombant depuis la gauche du tableau et ménageant en fond une ombre profonde qui découpe le saint comme une statue. 

(1) Quelques spécialistes avancent que Le Bacchus malade aurait été peint dans une période où le Caravage était frappé par la malaria ; d'autres parlent simplement d'une sortie de convalescence. L'érudit Maurizio Marini soutient quant à lui que la tonalité verdâtre de l'image serait plutôt due à une procédure inadéquate d'une restauration ancienne. 

(2) Le choix de la position du personnage, l'enroulé du bras font fortement penser que Caravage a été influencé par un dessin de la Sibylle persique de Simone Peterzano, parfaitement connu, peintre chez lequel il avait démarré son apprentissage à 13 ans, dès 1584 et pour au moins 4 voire 6 ans. 


(3) Les deux autres versions sont, l'une dans la collection Wildenstein et l'autre à la Badminton House de Gloucestershire, l'attribution de cette dernière étant toutefois contestée. (4) Il existe du joueur de luth une version légèrement différente (qui me semble, personnellement très contestable comme oeuvre originaleà qui est au Metropolitan Museum de New York. Avec, en particulier un virginal et une autre partition, celle d'un madrigal de Francesco Layolle (1492-1540), extrait de son Premier livre de Madrigaux intitulé "Lassare il velo".  En haut à gauche, on y voit une petite cage avec un oiseau, qui symboliserait selon certains le chant naturel. Pour d'autres, il serait le signe de la solitude du poète amoureux et, forcément, malheureux !! (5) Elle pose également pour le Portrait d'une courtisane exposé au Kaiser Friedrich Museum de Berlin mais qui fut détruit lors des bombardements subis par la capitale allemande lors de la Seconde Guerre mondiale.

(6) Scène issue de l'Ancien Testament  :Livre de Judith, 13:8-116.