Le démon de la modernité : peintres visionnaires à l'aube d'un siècle court

L'exposition Le démon de la modernité, Il demone delle modernità, organisée au Palazzo Roverella de Rovigo, se termine aujourd'hui. Une exposition intéressante mais difficile, qui avait le mérite, venant après Il Bel Paese, de montrer l'évolution des arts durant la même période (fin XIXe et jusqu'à la Grande Guerre) dans des milieux intellectuels moins conventionnels et plus soucieux de renouveler le langage artistique. Persuadés que les valeurs du vieux monde étaient parvenues leur terminus en termes de fantaisie et de créativité, ces artistes aspirent à une modernité encore floue mais dont les premières manifestations sont une farouche volonté d'anti-conformisme. L’atmosphère transgressive qui s'impose en littérature, les nouvelles connaissances scientifiques qui paraissent annoncer une aube nouvelle, semblent ouvrir aux ambitieux novateurs des horizons inédits, infinis et pourtant encore bien fragiles. La naissance des métropoles qui se développent autour de l'industrie, les crises économiques, les nouvelles tensions sociales, toutes ces pulsions jusqu'alors inconnues influencent les peintres qui tentent de les traduire en signes et en formes originales. Des textes d'anticipation, des courants de pensées révolutionnaires ou sombres, la découverte de la science des songes ou de l’inconscient, l'avènement de la sociologie inspirent à ces artistes des nouveaux schémas, des remises en cause radicales et, encore aujourd'hui, surprenantes.

Le courant symboliste, fortement imprégné de mysticisme, est au départ un mouvement littéraire et artistique apparu en France et en Belgique à la fin du XIXe siècle, en réaction au naturalisme et au mouvement parnassien. Gustave Moreau, Odilon Redon, Max Klinger, Franz Von Stuch, en traduisent les mystères en images capables à la fois d'évoquer une réalité supérieure et d'inviter le lecteur à un véritable déchiffrement. L'exposition présentait la deuxième version important du thème qui fit la gloire Gustave Moreau, peinte en 1888 (le première datait de 1864). Cet Œdipe voyageur est représenté modeste et « soumis » et le Sphinx l’attend, en majesté, au centre de la composition, sur une sorte de trône naturel entouré de ses "victimes" (prince, guerrier, poète). Le texte consacré par l’artiste à sa peinture permet de mieux comprendre ses intentions : « Courbé sous le poids de la vie, il a gravi la grande montée, il arrive sur la plate-forme, autel naturel où se tient le monstre à tête de femme qui l’attend. L’Enigme est là pour tous. C’est l’épreuve dernière triomphante ou fatale. Des cadavres gisent de tous côtés, victimes de cette force terrible et mystérieuse qui donne la mort aux faibles et dont l’âme forte peut triompher. Les grands rochers thébains, la sobre mer, ferment de tous côtés l’horizon voilé, l’abîme est au pied de cet autel de la vie et de la mort devant lequel passe l’humanité tremblante. »


Il s'agit avant tout de réagir contre le positivisme : d'où la recherche d'une beauté étrange, envoûtante, et l'invention d'un esthétisme reconnaissable entre tous. Cela donne des images fortes, comme cette Salomé sensuelle et saisie dans un mouvement tourbillonnant, aux teintes douces et froides.


Parfois les thèmes sont carrément étranges, voire malsains les artistes ne reculant devant aucune provocation pour dire leur angoisse. Vlaho Bukovac emporte la palme avec cet halluciant portrait de famille, les personnages étant ici réduits à des têtes qui se balancent dans l'espace, comme de simples décors. Sur la table aux pieds galbés, le père et la mère à l'abondante chevelure brune et frisée, lèvent les yeux vers leurs 4 enfants accrochés par les cheveux devant une étole d'un blanc immaculé. Assise sur la table, une poupée, entière elle, contemple cette scène surréaliste d'un œil morne. Une autre poupée est suspendue au-dessus d'elle. Cette scène d’intérieur, empreinte d'une forte charge émotionnelle, agresse le spectateur par son insupportable douceur.


Lieux d'illumination et ziggurat de l'âme



La découverte de la dimension psychologique, des territoires sombres et mal explorés de l'inconscient, fascinent les artistes qui veulent en tirer de nouvelles formes d'expressivité. A l'instar de Karl Wilhelm Diefenbach, peintre allemand, adorateur du soleil, pionnier du naturisme et du végétarisme. En 1888, il commença à pratiquer le Sonnenmenschentum, dans la forêt bavaroise, et à faire vivre ses trois enfants nus. Pour lui le naturisme était avant tout une expérience religieuse, et il prêchait une philosophie d’auto-réalisation mystique et de respect panthéiste de la nature. Les autorités bavaroises ne virent pas cela du même œil et le condamnèrent à huit jours de prison. En 1897, il fonda la communauté Humanitas, avec 25 adeptes qui se laissèrent pousser les cheveux, devinrent végétariens et ne vécurent plus que nus ou en vêtements de laine brute. Tous partageaient une pratique identique de la nudité, du spiritualisme et de l'alimentation végétarienne.

D'autres s'inspirent des grands mystiques médiévaux, ou ressortent Dante, comme Mirko Rački, ce peintre croate dont la plus grande partie de l'oeuvre est dédiée à la Divine Comédie.

Anges et Démons, rêves, incubes et visions



L'artiste est aussi prophète, et ceux de cette fin de siècle sentent la proximité de grands bouleversements, un gouffre va s'ouvrir sous nos pieds.Ils pressentent l'imminence de grandes catastrophes et l'annoncent avec une grandiloquence impressionnante mais prémonitoire. Qu'on en juge avec ce Triomphe des Ténèbres de 1896, dans lequel le Christ mort gît sur une pierre tombale tandis qu'à ses côté un Lucifer athlétique et barbu, déploie ses sombres ailes de malheurs sur le fond de la toile. Le message est clair et angoissant.



Oskar Zwintscher est encore plus inquiétant. Dans Deuil, le jeune homme éploré embrasse le corps livide de l'aimée sans voir au-dessus de lui l'atroce menace de la mort aux mains rapaces. Dans Mort sur la rive de la mer, dit aussi Pietà, le thème religieux de la déploration est repris sur un mot laïque, sobre et pourtant dramatique. On est en 1913 et la menace gronde.

Autres métamorphoses

Au total, après le Spectacle de la modernité, à Forli et l'élégance suave, toujours raffinée de Boldini, après les jolies effervescences des italiens du Risorgimento et l'exposition Bel Paese à Ravenne, ce démon de la modernité était une exposition très austère, qui nous a laissé un goût amer ! Ce qui n'enlève rien à sa qualité artistique, mais c'est la vision de ces peintres tourmentés qui en était la cause.