LES TRÉSORS DE L'OMBRE À ROUEN

Le dessin, après avoir été longtemps considéré comme l'apprentissage fondamental et l'étape incontournable de recherche précédant l'élaboration de l'oeuvre peinte, est peu apprécié par notre époque, éprise de couleurs éclatantes et d'impressions suggérées. C'est pourtant l'occasion pour de nombreux peintres de montrer leur virtuosité et leur sens aigu de l'esthétique que leurs toiles développent. A l'inverse, il est de bon ton, surtout lorsqu'on se trouve en face de peintres que notre époque qualifie de "rigides", aux canons académiques trop marqués (parce que la mode et leurs commanditaires l'exigeaient !) de dire qu'on aime leurs dessins mais par leur peinture. L'approche est, comme souvent, plus sentimentale qu'artistiquement cohérente : on se laisse, à l'inverse, aller à une autre mode, celle qui veut qu'on méprise les toiles d'un style jugé "pompier", aux contours trop léchés, aux compositions grandiloquentes, pour leur préférer les dessins du même artiste qui, eux, sont forcément plus naturels.


C'est oublier qu'un talent ne s'exprime pas hors du temps, mais bel et bien dans son époque, et quand on examine un même thème rendu par des peintres de différentes époques, tous aussi géniaux les uns que les autres, certains nous révulsent et d'autres nous semblent superbes, simplement parce que nous réagissons à fleur de peau en fonction de nos "goûts" et pas en proportion de la qualité du peintre. Ce qui est d'une injustice flagrante car ces hommes peignaient ce que le temps aimait, tout simplement parce qu'il leur fallait vendre pour vivre, entretenir leur atelier et exprimer leurs dons. Notre vision romantique de l'artiste maudit nous brouille souvent l'entendement !! Pour autant, dans le domaine du dessin, l'expression est libre, spontanée, toujours exempte de rigidités ou de trop lourdes conventions, même s'il s'agit d'un dessin préparatoire à une oeuvre qu'on trouvera trop ... ou pas assez ... Bref, le dessin ne nous attire a priori pas, à cause de sa monochromie, mais nous retient a posteriori à cause de son naturel !


L'exposition de Rouen, construite à partir des trésors du musée, limitait au XVIIIème siècle son champ d'observation. La méthode de travail des peintres des Lumières est la même que celle de leurs prédécesseurs. Depuis la Renaissance en effet, le dessinateur détermine l'arrangement général de sa composition en multipliant les esquisses, en s'appuyant parfois sur des croquis pris sur le vif. Ces "premières pensées" (1) sont souvent exécutées d'un trait très libre à la plume et révèlent l'aisance et le talent de l'artiste.


Les personnages principaux, fréquents car le XVIIIème considère la peinture d'histoire comme le genre le plus noble, sont souvent l'objet d'études de détails, presque toujours dans des techniques sèches : sanguine ou pierre noire, parfois rehaussées de craie blanche.

Cela donne des portraits qui sont d'une précision, d'une acuité, d'une intensité spirituelle qu'on ne retrouvera malheureusement pas dans la toile, plus préoccupée de décorum que de finesse psychologique. Le genre de la "tête d'expression", deviendra d'ailleurs un exercice académique à part entière à partir de 1759, mais il découle d'un répertoire très répandu dans l'Europe artistique depuis le XVIème siècle.


Les dessins ainsi réalisés constituent dès lors pour le peintre qui les a réalisés, voire pour l'ensemble de la communauté artistique qui se côtoie souvent de près, surtout dans les ateliers du Louvre où tout le petit monde logé cohabitait joyeusement, une sorte de répertoire, inestimable base de données pour les compositions futures !

Pour les artistes qui "font" l'Italie, le dessin, souvent rehaussé de lavis pour fixer les impressions et les couleurs, est l'outil idéal : facile à réaliser, facile à rapporter, il constitue souvent au retour une source d'inspiration réutilisée à l'envi dans des compositions parfois fantaisistes mais toujours agréables. C'est ainsi qu'on retrouve les ruines de Tivoli à toutes les sauces, transformées en port, en scène campagnarde ou simplement évoquées. Et les ruines croquées sur le terrain sont autant "d'accessoires" idéaux pour les compositions à l'antique.


Le dessin est aussi, souvent, utilisé en tant que tel, c'est à dire pour produire de petites scènes, parfois locales, qui font office de souvenir ou de reportage. Un chantier, un costume régional, un arbre mort, tout est prétexte pour un peintre à fixer l'instant, quitte à le réutiliser plus tard dans une toile plus ambitieuse.







L'exposition se terminait par un dernier usage du dessin, le portrait. Non plus cette fois comme préparation pour de plus grandes compositions, mais comme un genre à part entière, indépendant, fournissant une souplesse d'exécution et une facilité de réalisation tout à fait propres à rendre les physionomies de la façon la plus fidèle possible. L'occasion aussi, pour les artistes, de démontrer leur aisance et leur habileté.

(1) Définition de l'esquisse datant de 1759 : « Premières pensées. En italien, macchia. Ce sont de légères esquisses dans lesquelles les peintres se livrent à tout le jeu de leur imagination et se contentent de quelques coups de crayon ou de plume pour marquer leurs intentions, l'ordre et le caractère qu'ils veulent donner à leur dessein. Ces esquisses, lorsqu'elles sont de quelques Maîtres, deviennent précieuses aux yeux d'un connaisseur, parce qu'elles contiennent ordinairement une franchise, une liberté, un feu, une hardiesse, des touches fortes et spirituelles, enfin un certain caractère qu'on ne trouve point dans des dessins plus fins. »